舞动的静态

图：Lois Greeneld 文：Kathrine Anker 翻译：伊千户 编辑：李思瑾

美国女摄影师， 生于1949年，以探索人体动态之美的相关作品著称。早年曾是一名摄影记者，后因一次拍摄经历改变了拍摄方向，并致力于探寻人体的运动及其表现力。

近四十年来，与同时期拍摄舞蹈作品的摄影师相比，洛伊丝·格林菲尔德（Lois Greenfield）的作品是最与众不同的，她形成了自己独特的风格。大多数舞蹈摄影作品保持着传统的编制定位和从跳舞过程中精心设计的时刻，但是在格林菲尔德的第一本摄影作品《打破界限》（Breaking Bounds）（1992）中，她就已经彻底打破了传统，因为她都是基于即兴创作，并非舞蹈或者特意编排。格林菲尔德捕捉到那些定格在空中的瞬间，看上去非常超现实，因为人类的眼睛无法捕捉下1/2000秒的瞬间。

距离上一本出版物17年之后，格林菲尔德的新书，《流动的静态》(Moving Still)面世。她在书里进一步解释了自己的概念。“在这么多年之后，我想获得一种不同的方式，所以我使用了道具、镜子、反射物等等，所有这些都是我还是一名摄影记者时就很吸引我的元素。我发现加入司空见惯的元素，比如泡沫塑料球、撕碎的纸张等，会使照片更具概念性，并富有变化，也使得作品增加了全新的维度。”格林菲尔德说。

格林菲尔德新作中神秘的、界定不明的场景，也是过往的拍摄中她经常运用的方式。在还没有数码相机以及后期处理时，每张照片都是以实物状态存在于相机内的。“那才是真正地将发生于相机前的事情定格下来。”她说。

决定性的瞬间都交给了机器。你也许可以获得更多的瞬间，但那并不是自己的选择。

几片布或几个球通过助手或舞蹈者的帮助被扔进画面中，并飘浮在空中时，格林菲尔德拿着那台20世纪80年代的哈苏C/M，静候着那决定性的一刻。有的人认为，哈苏C/M是一个令人惊讶的选择，因为它没有持续的传动模式，无法连拍，可能无法驾驭这类拍摄，但这却是格林菲尔德非常喜欢它的原因。

“如果你连续去拍摄，你就没有了自己的特性，因为决定性的瞬间都交给了机器。你也许可以获得更多的瞬间，但那并不是自己的选择。”在这点儿上，老哈苏的快门节奏，无疑是最终的选择。“对于赋予作品飘浮的感觉，一刹那我拍摄下的瞬间是异常重要的，与此同时，一个新的、全自动的相机要完成对焦、测光等等程序的时候，那个瞬间就已经消失了。一台老式的手动相机却能更多地响应那个瞬间的快门需求。”

决定性的瞬间，对于每个在静态照片中捕捉动态这类的矛盾性的艺术工作者来说非常重要，但是格林菲尔德的方式却与大多数其他舞蹈摄影者不同。“很多摄影师想拍摄舞蹈中最精彩的时刻，但是我从不那样做。对我来说，拍摄的时机选择是本能的。我发现一个规律，如果我在拍摄的时候去分析按下快门的时机，很多时候都是捕捉到精彩之后，当舞者回到基本状态以及更放松的时刻。舞者为了拍摄会更努力地表现，但是相比肌肉、负担和辛苦，我更喜欢让他们看上去仿佛毫不费力。我想让他们看上去更像一个拥有在四周环绕着隐形翅膀的天使。”

尽管格林菲尔德坚持她的“老式”设备，但一件事改变了，便是她现在使用玛米亚利图（MamiyaLeaf）数码后背进行拍摄。它更加实用，更重要的是，没有比数码后背的正方形取景框更配合她的舞蹈拍摄了，并推动她不断地用新方式去表达自我。

“我经常在正方形取景框周围保留着底片的黑色边界，所以这些图片都是没被裁切的。实际上，黑色边界线变成了一个创作的元素，因为它定义了舞者的空间——舞者的肢体动作在正方形取景框中，两者总会显出某种联系。” 格林菲尔德说，“数码后背，从另一方面来说，是一个矩形，并且当它在原本的底片上的时候并没有黑色的边界线，所以我停止了在一个水平面或矩形格式中的拍摄，这样的格式开启了一个不同的创作思路。”

格林菲尔德以前的拍摄全部都是黑白的，新的数码后背也改变了她的拍摄方法，使她靠近彩色。“当你拍摄数码时，事实上是看得到色彩的，甚至之后你可以减弱饱和度直至获得黑白作品。但是最后我还是更喜欢彩色照片，这并不意味我的照片就只关乎于色彩。我作品中大部分都是来自真正生活中的中性色调或是主色调，并不是只表现色彩。”

同时，数码后背也帮助了摄影师与舞者的交流。“这是非常棒的，它取代了让舞者不得不通过放大镜去看2×2英寸的宝丽来照片的这一过程，我能真实地让他们看到显示器上的影像，并且给他们一个想法或用委婉的方式要求他们去做一些动作。”

但是，这也并不代表数码后背改变了格林菲尔德的拍摄方式。“大多数摄影师在拍摄作品时，都会看着显示屏做出更正，但在舞蹈摄影中，你不能捕捉同一时刻两次，所以我始终还是要去盯着过程，而不是相机。我必须预知这个瞬间，在准备好快门之后，等待奇迹时刻的到来。”