​安尼施·卡普尔来了！ | 里森画廊北京空间

编辑：目刻时光

来源：里森画廊

安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）的名字如雷贯耳。

是的。你也许没有见过他在红砖美术馆展出的"漩涡“、太庙的”哈哈镜“；那也一定听说过，他曾几次在北京举办大型个展。

但是，这是第一次，展出他的绘画作品。

2022年8月。超震撼的，安尼施·卡普尔里森画廊北京空间开幕展即将来袭！他会带来什么？期待ing......

安尼施·卡普尔

2022年8月20日 – 10月30日

里森画廊 北京市顺义区金航东路3号院D7楼4层

安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）的一系列全新绘画将为里森画廊在北京的首个永久空间揭幕。卡普尔的雕塑家身份最为人熟知，尽管绘画在其过去的实践中并不常见，却是重要且长期存在的创作媒介，他的画作最近也因在世界各地的展览项目备受瞩目并收获赞誉。本次展览是卡普尔在里森中国的首次个展，标志着他再度回归中国，此前在2019年，他曾于中央美术学院美术馆及太庙美术馆两处同时推出他在中国的首次美术馆个展。

与此同时，适逢威尼斯双年展，卡普尔现正于历史悠久的威尼斯学院美术馆及曼弗林宅邸两处同时呈现大型个展，充分彰显了他实践的远见、绘画的感染力和雕塑的高超造诣。在此之前，卡普尔于2021年在牛津现代艺术博物馆举办了重要的绘画展览。

▲展览海报

▲安尼施·卡普尔，《有无之相》，

2022，

布面油画，双联画：每块画板 183 x 244 cm 整体：183 x 488 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

本次北京个展中的绘画综合运用了表现主义、具象和抽象的手法，通过具有强烈表现力的图像，勾起人们对祭祀、宗教典礼和湮灭等原始仪式的想象。在这些画作中，卡普尔延续了他雕塑实践中的诗意，继续对内部和外部边界进行探索。这些作品还体现了卡普尔对颜色和物质的探究——在不同的绘画痕迹和色彩下，自然景观和肉血之躯互相融合又互相排斥，一股隐藏的力量在画布表面躁动着。这些作品似乎也让人联想起威廉·透纳（JMW Turner）等浪漫主义画家笔下的壮美景色，但卡普尔的画作却充斥着一种宇宙混沌开天辟地的能量。创作于2021年的《夜幕笼罩》（The Night Encloses）以厚重的笔触刻画土地膨胀和崩裂的瞬间；来自2020年的《混沌》（Inhuman）描绘了一场剧烈的火山爆发情景；而在2021年的《噢母亲，再次诉说我的身世》（Oh Mother, Tell Me My Life Again）中山头升起的月亮则象征着一个全新周期的到来。

▲安尼施·卡普尔，《混沌》，

2020，

布面油画，213 x 274 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

起源的主题还体现在创作于2021年的大型三联画《母体的黑》（Blackness From Her Womb）中，深邃的黑色中隐约渗透出红色，而代表内部的红色是卡普尔更广泛实践中不可或缺的颜色。本次展览呈现的画作非但没有脱离卡普尔整体实践中丰富多样的元素，还让人想起他在世界各地展出的最大型和最别具一格的创作，例如2013年的《致心爱太阳的交响乐》（Symphony for a Beloved Sun）、2007年的《斯旺那布》（Svayambhu），及2003年的《我的红色家乡》（My Red Homeland）。

▲安尼施·卡普尔，《噢母亲，再次诉说我的身世》，

2021，

布面油画，244 x 305厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

同时展出的还有三件置于地面的作品，它们进一步扩展了画布的边界。这些作品既是绘画，也是雕塑和表演，就像卡普尔早期的色粉作品一样，它们邀请观众见证一个经过仪式洗礼的演出。正如帆布上的绘画，我们依然能从中感觉到两种重要的元素在施展力量，一种是规整有型的，另一种是奔放且无特定形态的。其中充满垂坠感的大型物质有的悬挂在支架上，有的则伫立在托盘容器内，仿佛是液态凝结成固态这一变化的缩影，这种转变不仅是绘画创作的过程，也是雕塑物质性的本质。

▲安尼施·卡普尔，《义肢II》，

2020，

木材、树脂、帆布、颜料，

183 x 192 x 192 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

其他作品还有：

▲安尼施·卡普尔

《夜幕笼罩》 2021

布面油画

213 x 274 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《尘世》 2021

布面油画

244 x 183 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《母体的黑》 2021

布面油画

244 x 549 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《无题》 2020

纸上油画和铅笔

66 x 101 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《无题》 2020

纸上油画

66 x 101 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《无题》 2020

纸上油画

66 x 101 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《祭祀》 2020

木材、硅胶、帆布、颜料

188 x 128 x 238 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

▲安尼施·卡普尔

《她懂》 2020

钢材、树脂、帆布、颜料

199 x 112 x 80 厘米

© 安尼施·卡普尔，图片由里森画廊提供，由George Darrell拍摄

安尼施·卡普尔

展期：2022年8月20日 – 10月30日

地点：里森画廊 北京市顺义区金航东路3号院D7楼4层

展览回顾

1、漩涡...未知...怒吼! | 安尼施·卡普尔

圆形的池子里。

黑色的水流在有限的空间里不断翻腾，在无尽的漩涡中不停旋转，永不停止，没有光芒。

无止境。

这似乎也是我们最黑暗的感觉，我们所有的恐惧，脆弱，说不清道不明的情绪都被困在无尽的漩涡中，有低鸣的声音咆哮着，与我们心脏跳动的声音相呼应，朝着自己想象中最狂野的角落，一个完全不可知的内部世界，

奔去。

它有多深？它是否去了地球的中心？它是什么？是什么造的？......

而我们，又为何会深深沉溺其中？

《下沉 Descension》，来自艺术家安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）。

北京，红砖美术馆。

2、太庙 & 中央美院美术馆 | 安尼施·卡普尔在中国

在中央美术学院美术馆的当代建筑空间，呈现其作品的戏剧与表演性，聚焦卡普尔迄今为止艺术作品的重要四件。曾在2013年于柏林的马丁-格罗皮乌斯博物馆展出《致心爱太阳的交响乐》(2013)，将在美术馆大厅以崭新的面貌迎接观众。血红色的蜡质砖块从几个上升的传送带的末端戏剧化地坠落至一片同样材质的聚合物中，一个悬浮着的巨大红色太阳注视着这个机械化的、毫无人为因素的场景。艺术家的手被一个看似自动的机器替代了，因而观看者可以更为直接地感受这件作品并获得一个主观且深刻的体验。美术馆三层则将展出卡普尔在2015年法国凡尔赛宫个人展览首秀的创作《将成为奇特单细胞的截面体》(2015)。卡普尔不仅给观者呈现了令人着迷的生物形态设计，并一同邀请他们通过侧面隐蔽的门进入作品内部，探索装置内部与外部之间的几何空间关系。鲜红的洞被神秘地连接在了一起，形成了一张关于躯体、存在与信仰的网。而在作品旁的另一空间将呈现卡普尔曾于2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观作品《远行》(2017)，一辆涂满湛蓝颜色的挖掘机爬伏在几百吨红色泥土上，形成鲜明的对比。漫山遍野的红色色粉如浪涌一般，层层叠障，形成热烈的景观。在美术馆四层，将是另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》(2003)。机器带动一条金属臂沿着装有25吨红色软质蜡的开口容器的表面转动。金属臂在一个小时的转动中，环绕着蜡质表面缓慢运动，好像在搅拌材料，不断塑造蜡的形状，反复形成奇特景观。

▲Anish Kapoor © Anish Kapoor. Courtesy Lisson Gallery. Photography by George Darrell

关于艺术家

安尼施·卡普尔（Anish Kapoor） 是当代最具影响力的艺术家之一。他以形态大胆又彰显工学原理的公共雕塑最为著名，并游刃有余地创作各种规模的系列作品。大型 PVC 表皮或抻拉或压缩，凹凸镜面的不规则倒影吸引着观者驻足；在石料上雕刻的凹槽，通过着色形成视觉上的消失效果：隙间与突起处唤起了形而上学的存在与缺失、隐藏与揭示的深刻两极。如子宫一般的作品形态从里向外翻转，卡普尔所采用的材料明明未上色却似乎充满色彩，好像要否决外表面的概念，激励观者放飞想象。在1980年代初，卡普尔打造的各种几何造型拔地而起，仿佛由纯颜料制作而成；而过去20年间，他创作的那些具有粘腻感的血红蜡制雕塑蕴含自我生发的动能，大肆破坏作品本身的表面，在静谧的展厅内掷下一声响雷。在他的作品里，来自印度、埃及、希腊和罗马的神话，与21世纪当代语境下的形色之间，产生了千丝万缕的联系。

安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买，现生活和工作于伦敦。他先后在伦敦弘赛艺术学院（1973-77）和切尔西艺术学院（1977–78）就读本科和研究生课程。近期个展包括威尼斯学院美术馆和曼弗林宅邸，威尼斯，意大利（2022）；牛津现代艺术博物馆，英国（2021）；深圳市当代艺术与城市规划馆，中国（2021）；霍顿庄园，诺福克郡，英国（2020）；现代美术馆，慕尼黑，德国（2020）；现代艺术博物馆，布宜诺斯艾利斯，阿根廷（2019）；中央美术学院美术馆和太庙美术馆，北京，中国（2019）；圣地亚哥艺术基金会，圣地亚哥，智利（2019）；塞拉尔维斯现代艺术博物馆，波尔图，葡萄牙（2018）；美国布鲁克林大桥公园1号码头公共艺术基金会，纽约，美国（2017）；纪念碑公园，布宜诺斯艾利斯，阿根廷（2017）；MAST 基金会，博洛尼亚，意大利（2017）；当代艺术博物馆，墨西哥城，墨西哥（2016）；拉图雷特修道院，埃韦克斯，法国（2015）；凡尔赛宫，巴黎，法国（2015）和俄罗斯莫斯科犹太博物馆和宽恕中心（2015）。1990年，他代表英国参加第44届威尼斯双年展，并凭着作品《Void Field》（1989）荣获“Premio Duemila”新秀艺术家奖。卡普尔于1991年获得透纳奖。大型公共项目包括位于美国芝加哥千禧公园的《云门》（Cloud Gate, 2004）、位于英国伦敦伊丽莎白女王奥林匹克公园的《轨道》（Orbit, 2012），和世界上第一个日本充气音乐厅《新方舟》（Ark Nova, 2013）。

关于里森画廊

里森画廊是全球最具影响力及历史悠久的国际当代艺术画廊之一。目前画廊通过在伦敦的两处艺术空间、在纽约的三处艺术空间、在上海的一处艺术空间，以及即将开幕的北京空间和洛杉矶空间，支持和发展的国际艺术家超过60位。里森画廊由尼古拉斯·劳格斯戴尔（Nicholas Logsdail）于1967年创立，开启了在艺术史中占极为重要地位的极简艺术和观念艺术先驱的职业艺术生涯，如艺术和语言创作团体（Art & Language）、卡尔·安德烈（Carl Andre）、丹尼尔·布伦（Daniel Buren）、唐纳德·贾德（Donald Judd）、约翰·莱瑟姆（John Latham）、索尔·勒维特（Sol LeWitt）、理查德·朗（Richard Long）和罗伯特·雷曼（Robert Ryman）等艺术家。画廊如今仍和其中多位艺术家合作，包括卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）和利昂·波克·史密斯（Leon Polk Smith）等多位同辈著名艺术家和艺术遗产管理团队。在画廊的第二个十年中，它向公众首次介绍了英国一代重要的雕塑艺术家，其中有托尼·克拉格（Tony Cragg）、理查德·迪肯（Richard Deacon）、安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）、 施拉泽·赫什阿里（Shirazeh Houshiary）和朱利安·奥培（Julian Opie）。自 2000 年起， 画廊代理多位国际一线艺术家，包括玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）、约翰·亚康法（John Akomfrah）、苏珊·席勒（Susan Hiller）、宫岛达男（Tatsuo Miyajima）和肖恩·斯库利（Sean Scully）等国际一线艺术家。画廊同时着力支持和推动包括科里·阿肯吉尔（Cory Arcangel）、瑞安·甘德（Ryan Gander）、范·海诺斯（Van Hanos）、休·海登（Hugh Hayden）、哈龙·米尔扎（Haroon Mirza）、劳瑞·普罗沃斯特（Laure Prouvost）、佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）、瓦尔·肖基（Wael Shawky）和切尼·汤普森（Cheyney Thompson）等在内的年轻一代艺术家职业生涯的发展和国际影响。

《弗兰克·奥尔巴赫：言论和绘画》

弗兰克·奥尔巴赫，英国最受欢迎的画家之一、国际知名艺术家。奥尔巴赫1931年出生于柏林，1939年通过Kindertransport被送到英国以逃离纳粹政权，此后一直在伦敦生活和工作。奥尔巴赫现在已经80多岁了，仍然在创作强有力的具象绘画，这些绘画定义了他50多年的工作。这本书，取材于奥尔巴赫与作家凯瑟琳·兰珀特(凯瑟琳·兰珀特是奥尔巴赫二十多年的保姆)之间的对话，是由一位私人朋友撰写的，是对这位艺术家漫长职业生涯的第一次深入观察。

很难得的奥尔巴赫作品集+评论集。

原标题：《​安尼施·卡普尔来了！ | 里森画廊北京空间》

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